Decir que el senador Mc Carthy -el artífice de la Caza de Brujas en Hollywood- era simplemente un loco anticomunista o un fanático puritano, sería como afirmar que Franco censuraba la prensa porque salía en las fotos bajito y regordete. Cualquier acto que vaya en contra de la libre expresión, siempre responde a estrategias planificadas que la convierten en auténtica desinformación, o lo que es peor, en información dirigida, esto es, en propaganda.

No es nada nuevo el poder de la imagen, ni el efecto subliminal que causa en quien la contempla. De eso sabían los papas y cardenales que a lo largo de la historia han contratado a pintores e imagineros para crear el rostro temido de la divinidad. Pero fue Hitler quien supo darle al cine, a la imagen en movimiento, la importancia que tiene en el hacer que una mentira repetida se convierta en verdad. Fuera donde fuera, Hitler siempre iba acompañado de una cámara de cine que mostraba, por supuesto, lo que él quería que se mostrase, anticipándose al lema actual de “está pasando, lo estás viendo”, que viene a querer decir que sólo ocurre aquello que se ve.

El resultado de la patraña anticomunista de Hollywood y su campaña de denuncias, encarcelamientos y delaciones, es el cine norteamericano de hoy en día, desprovisto- salvo escasas y honrosas excepciones- de cualquier sentido crítico, alejado de su carácter de vehículo transformador de la sociedad. La llamada caza de brujas ha impedido la producción de películas que muestren o insinúen, a través de sus personajes y situaciones, las vergüenzas del sistema, o incluso que sus bases y mecanismos se pongan en duda mediante códigos morales y finales felices.

El cine se explica en si mismo,
como la poesía, la música o la pintura

Eso pasa tanto en el cine que proviene del imperio, como en el resto de cinematografías que le van a la zaga. La ficción -aunque en realidad todo lo filmado es ficción, incluso el llamado documental, ya que la cámara siempre observa la realidad desde un particular punto de vista -, bajo estos códigos, acaba teñida de un cierto color rosáceo, nunca rojo, y menos aún rojinegro. Así mientras se lanzaba la bomba atómica y morían en segundos doscientas cincuenta mil personas, se prohibían los documentales sobre sus efectos, se expulsaba del país a creadores como Charles Chaplin o Dalton Trumbo y se producían películas donde las familias puritanas, de derechas, racistas, sumisas y asexuadas, siempre eran felices y se comían todas las perdices del planeta.

Desde que el cine dejó de ser una atracción de barraca de feria y se convirtió en el más importante vehículo transmisor de ideas -lo que motivó el necesario matrimonio entre arte e industria-, el dinero, o más bien, el control del mismo, ha sido la sombra del verdugo capaz de negar la vida a películas contrarias a los modelos y directrices marcados por el poder político, social  y económico. La censura de la industria se ha impuesto de tal manera que a películas como “Los Santos Inocentes” de Mario Camus, “Padre Padrone”, de los hermanos Taviani o incluso “Ladrón de bicicletas” de De Sica, hoy en día les sería prácticamente imposible ver la luz.

Esto es así y podríamos decir que sucede con cualquiera de las actividades que puedan intervenir en los mecanismos del sistema imperante, como sucede con el sector energético, la producción de alimentos o la misma medicina. Pero en ninguna como en el cine, en el narrar historias en movimiento capaces de emocionar, se aúnan de tal manera todos los poderes fácticos para hacer del Arte de la Imagen, un vehículo dócil con el que domesticar conciencias.

El cine debe ayudar a transformar
y subvertir la realidad

Cuando acabas una película y entras en la vorágine de la llamada promoción -el aspecto más aburrido aunque necesario del oficio de cineasta-,  uno se empieza a imaginar las posibles preguntas que críticos, cronistas y periodistas varios te van a hacer en las ruedas de prensa. Por supuesto, le das vueltas y vueltas a las posibles respuestas, procurando que éstas sean inteligentes, ya que al fin y al cabo, no solo ayudaran a que la gente acuda al cine, sino que como permanecerán en los archivos para la posteridad, habrá que evitar quedar como tonto, o al menos, insustancial.

El cine se explica en si mismo, como la poesía, la música o la pintura, con lo que te estrujas el magín buscando las palabras precisas con las que aclarar los sentimientos y emociones que has querido transmitir a través de la pantalla. Rebuscas en la intención de cada plano e indagas en las motivaciones y conflictos que te han llevado a idearlos, porque siempre piensas que habrá alguien que descubra algo que a ti no se te había ocurrido que estaba y claro, no te vas a quedar con el culo al aire.

Llega la primera comparecencia ante los medios de comunicación y tu, hecho un manojo de nervios, te dispones a esperar las sesudas preguntas -para las que llevas preparadas sesudas contestaciones-, cuando de repente uno de los asistentes levanta la mano y suelta: “¿Qué opina de la crisis del cine?”. “Ya la hemos liado”, piensas antes de soltar la consabida diatriba contra el doblaje -un invento del fascismo en Italia, Alemania, Japón y España, por cierto- , las multinacionales, el choriceo de los exhibidores y el escaso interés que la cultura despierta entre los gobernantes. Contestas lo mejor que puedes y también lo más rápido y conciso para no robarle tiempo a la razón de tu  presencia, hablar de tu trabajo, cuando desde el otro lado de la sala, se alza otra mano. “¿Cual es el presupuesto de la película?”, preguntan y ahí si; ahí pierdes nervios y compostura. “¿Y el de tu periódico?”, contestas, a sabiendas de que te acabas de ganar un enemigo y, seguramente, una mala crítica.

Cuento esto no como mera anécdota, sino como síntoma de la perversión a la que nos ha llevado la dichosa dualidad del cine, la que lo define como un Arte Industrial. Y los rankings de recaudación, las recomendaciones basadas en ser la película más vista, los alardes de presupuestos y demás promociones -entre comillas- con los que los medios de comunicación supuestamente nos invitan a ver cine, no hacen sino un flaco servicio a lo que éste debiera ser en realidad; algo más que un pretexto para engullir palomitas o pasar el rato.

El cine debe ayudar a transformar y subvertir la realidad y para eso hace falta primar más el arte que la industria. El cine, como toda expresión cultural, es un bien público y como tal debiera ser tratado.

En el año 2007 no sólo participamos en la S.C.I.F.E. con la entrega del Premio Intramuros al mejor cortometraje de ficción (que se lo llevó, por cierto, un gran amigo nuestro, el joven, pero de gran talento, director aragonés Pablo Aragüés con su cinta “Perceval”), sino que el propio festival cruzó nuestras puertas y fuímos visitados por grandes figuras de la cinematografía nacional.

Benito Rabal y Marta Biurrun: El complemento ideal.
Tuvimos la suerte en ser los primeros, antes de que la cinta: “Francisco por Paco” aterrizara en el prestigioso festival de cine e imagen de Fuentes de Ebro: SCIFE 2007, un nutrido grupo de internos pertenecientes al aula de cine pudimos verla. Benito Rabal y su inseparable esposa, Marta Biurrun accedieron gustosamente a la invitación lanzada por el director de la SCIFE, José Antonio Aguilar, y nuestra Área de Formación, a traspasar las puertas del Centro de Daroca y pasar una mañana de sábado acercándonos al ya considerado por muchos como uno de los mejores actores del cine español, sino el mejor: Paco Rabal. La cinta guarda la suma de los momentos más entrañables, momentos recogidos en programas ya desaparecidos como el que dirigía José María Iñigo y su “Martes Fiesta”. Vimos a un Paco Rabal a las órdenes de otro grande, el director aragonés Luis Buñuel. Lo vimos reír, llorar emocionado al escuchar las palabras y anécdotas de muchos amigos, conocimos detalles de su vida más íntima, su rechazo al mundo de Hollywood y sus enormes ganas de vivir. Desde estas páginas solo nos queda darle las gracias a una de las parejas que más huella nos dejó, la formada por el también director de cine, Benito Rabal y su encantadora esposa Marta Biurrun.

Toni Canet: El hombre que supo ponerle alas a un complicado proyecto.
Las alas de la vida fue la película-documental que presentó Toni Canet en el salón de actos de nuestro centro. El film basado en la vida del médico Carlos Cristos sobrecogió los corazones de más de un centenar de internos que no quisieron perdérsela. La cinta llegó avalada por el premio Valores Humanos “José Couso-Julio A. Parrado”. Toni Canet (director, productor y guionista de film) demostró su buen hacer y nos hizo cómplices de una historia llena de fuerza y sensibilidad. A la finalización, el director valenciano respondió a las muchas cuestiones que los internos no dudaron en trasmitir. Esta visita quedó enmarcada bajo una aureola de profunda reflexión. A mí, como al resto de los presentes nos rondó la misma pregunta: ¿Seríamos capaces de afrontar con la misma dignidad que lo hizo Carlos Cristos una experiencia de tal calibre…?
Quedaron muchas frases del protagonista flotando en el salón de actos. Ésta va con referencia a la misma vida: “Mientras haya música, seguiremos bailando”.